SESSÃO DA CLASSE apresenta PERCURSOS DA DRAMATURGIA HOJE

29 de agosto - 19h - Sala Álvaro Moreyra


O Sessão da Classe está na sua 3ª edição seguindo com sua proposta de debater temas da classe teatral. Esta edição tem como tema PERCURSOS DA DRAMATURGIA HOJE.
Uma conversa regada a vinho sobre os caminhos na construção da dramaturgia em Porto Alegre com os dramaturgos Diones Camargo, Ivo Bender e Júlio Zanotta, além da encenadora Jezebel de Carli, e a mediação de Renato Mendonça.

Quais os diferentes caminhos pelos quais se elabora um texto? Por onde se começa? Como é essa construção quando se dá a partir de improvisações de atores?

Na ocasião será lançado o 8º Concurso de Dramaturgia - Prêmio Carlos Carvalho - Edição Local. Pela primeira vez o Prêmio irá acontecer exclusivamente para autores nascidos ou radicados em Porto Alegre. As inscrições serão de 29 de agosto a 12 de dezembro de 2011. Veja mais informações no site www.portoalegre.rs.gov.br/dramaturgia

Sessão de muita classe, história, arte e cultura, por HELENA MELLO

Veja aqui um relato sobre a Sessão da Classe sobre a MEMÓRIA DO EFÊMERO.

Betha Medeiros, Newton Silva, Cibele Sastre, Alice Dubina Trusz,
Maria Luiza Martini e Nádia Weber Santos durante o evento

Sessão da classe recebe os convidados com vinho e café, o que em noites mais frias já é um aconchego. A abertura do último encontro ficou por conta da coordenadora Nádia Maria Weber Santos, doutora em História da UFRGS. A primeira a falar foi Alice Dubina Trusz, também doutora em história pela UFRGS. Ela mesclou em sua pesquisa teatro, cinema, história e jornalismo. Sua pesquisa foi sobre cinema como espetáculo entre 1896 e 1908. Foi aos jornais para resgatar a história de uma época em que o cinema era novidade e que precisava acontecer junto com outras atividades como o circo, o teatro, as feiras. E, por não haver como registrar isso por meio de imagens, os jornalistas descreviam tudo detalhadamente. O cinema aparecia junto com gêneros espetaculares, como as touradas. Ela explica que não era para imaginar um cinema como o de hoje. Ela se referia a um projetor chamado Lanterna Mágica que mostrava imagens fixas. Foram 30 anos destas experiências. “Uma espécie de Power point dos dias de hoje”, disse ela, arrancando risadas da plateia. Cheia, por sinal. Mais tarde, o cinema se sedentariza. Ocupa espaços teatrais em dias determinados até 1908 quando surgem as pequenas salas legitimadas como espaço de cinema, havendo uma regularização e chegando ao que conhecemos hoje.

Platéia do Sessão da Classe: MEMÓRIA DO EFÊMERO
ao fundo a diretora de Os Reis Vagabundos, Maria Helena Lopes


Betha Medeiros inicia a sua apresentação sobre sua pesquisa do espetáculo os Reis Vagabundos comentando as relações que levam a considerações sobre o teatro falado, que leva ao corpo do ator e ao corpo criador do século XXI. Ela também recorre aos jornais e conta que pouco era guardado do material dos espetáculos, que as fotos iam parar nos setores de divulgação da imprensa. Também não escapou de outra prática da comunicação: as entrevistas. Segundo ela, estas foram gerando uma polifonia, um imenso quebra-cabeça. Fiapo, o cenógrafo do espetáculo, lembrou que não conhecia a palavra clown e que eles faziam um trabalho de improvisação como mendigos, catadores de lixo nas ruas, mas que, um dia, a diretora Maria Helena Lopes chegou nos ensaios com os “narizes” e tudo mudou. Betha não esconde a admiração que tem pela diretora (que estava presente aquela noite). Ela reforça que se tratava de uma peça sem texto e que, no entanto, provocou fortes e inesquecíveis impressões. Projeta fotos do espetáculo e a música enche a sala, mostrando a importância daqueles registros resgatados pelo seu trabalho apaixonado.
A próxima a falar é Cibele Sastre. Ela reaparece com o seu ótimo título: Nada é sempre a mesma coisa. Cibele já não fala só da notação de movimento de Laban, mas de sua apropriação. Comenta o quanto o coreógrafo ajudou no registro e difusão da coreografia, criando estes códigos para compartilhar os movimentos do corpo. Mas Cibele não se contentou com isso. Em sua pesquisa, usou este código, que até então era uma tarefa de movimento, como motor de um processo, como um dispositivo, como ela mesmo disse. Seu Power point com as imagens não funcionou. Ainda bem. Mal sabe ela o quanto foi prazeroso vê-la levantar e usar o próprio corpo para explicar do que ela estava falando. Se sua fala ainda não tinha convencido alguém, não tenho dúvida de que aqueles movimentos perfeitos, aquela consciência corporal exata e ao mesmo tempo flexível, fizeram isso.
A próxima palestrante, doutora em história, Maria Luiza Martini começa falando, emocionada, da importância da história cultural ter dado espaço para esta mistura com a arte. Recorda sua professora Sandra Pesavento e sua batalha para este reconhecimento. Ela diz que, enquanto a história está sempre se esforçando para expressar como foi, a memória é fazer aparecer o efêmero da ficção. Fala das categorias sintáticas, ou seja: quem, como, quando, onde. Aos poucos, ela vai puxando lembranças sobre os espetáculos e reforça a ideia de que para que possamos lembrar é preciso compartilhar o passado, pois a memória não vem completa. São aparições e no movimento de aproximação, elas apresentam falhas. Segundo ela, é preciso aceitar “o caráter lacunar e não ter medo de ter estas visões”. Maria Luiza segue fazendo análises sobre estes registros e diz que para saber mais detalhes precisaria encontrar outro ator que também estivesse com ela. Ela enfatiza este caráter da troca e fala em “historiografar as emoções na arte e na memória, partindo do contexto evocativo.
Newton Pinto da Silva ficou por último. Ele comenta como chegou ao Acervo de 24 programas da TVE que apresentavam espetáculos teatrais e entrevistas com os atores de 1987-1990. Intercala sua fala com pequenos trechos destes. Assim, vemos Tangos e Tragédias, A mãe da miss e o pai do Punk, Ostal, entre outros. Ele não apenas resgatou este material, mas partiu para as relações com a historiografia, usando para isso, como ele sempre gosta de frisar, os conceitos de Michel de Certeau, entre outros importantes autores. Fez um trabalho profundo selecionando, editando, reagrupando as imagens. Ele revela parte do processo para chegar aqui, partindo da seguinte pergunta: “como deixar falar estes documentos?”. A partir disso, não sem muitas dúvidas a serem solucionadas, ele criou nove categorias e elaborou um painel da cena teatral do período, onde aparece a força da estética experimental, a variedade de repertório e o hibridismo de gêneros.
Mesmo que os convidados não soubessem o quanto suas pesquisas tinham em comum, a organização foi perspicaz na reunião dos palestrantes que, apesar de não poderem se aprofundar muito devido ao tempo, tornaram a noite extremamente interessante. Todas as falas provocaram o desejo de saber mais sobre os assuntos apresentados. Assim, acho que a proposta dessa Sessão de classe não só cumpriu o seu papel como foi além.

Helena Mello
Jornalista e mestre em artes cênicas PPGAC/UFRGS

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Sessão da Classe:MEMÓRIA DA CENA AQUI

Sessão da Classe apresenta Memória do Efêmero por Raquel Pilger

Porto Alegre conta com aproximadamente 45 salas de espetáculos que abrigam, a cada ano, mais de uma centena de espetáculos de teatro, dança e eventos. Na cidade acontecem anualmente festivais de teatro, dança, teatro de rua e de bonecos. Existe um programa de descentralização da cultura. Há uma faculdade de dança, uma de teatro e um programa de pós-graduação em Artes Cênicas. Duas escolas formadoras de atores, centenas de escolas de dança e uma infinidade de oficinas e cursos para a formação de artistas e técnicos. A Secretaria Municipal de Cultura publica o Anuário de Artes Cênicas. Na Casa de Cultura Mário Quintana existe o Espaço de Memória do Ator Gaúcho e, no Teatro de Arena, o Espaço Sonia Duro – Centro de Documentação e Pesquisa em Artes Cênicas, ambos sob a guarda do governo estadual. Nas últimas décadas, pode-se verificar o aumento de publicações acerca de processos de criação e de história de grupos locais. E há, ainda, nos diversos programas de pós-graduação das universidades de Porto Alegre, pessoas pesquisando sobre o teatro e a dança produzidos aqui. Diante dessa realidade propomos algumas provocações: como essa produção artística permanecerá na memória? Como se relacionam os diversos agentes produtores e receptores desses bens culturais? Quais os conhecimentos que daí resultam? Há nos artistas a preocupação de preservar a história de sua experiência artística? Como essa história se situa na constituição da identidade cultural da cidade? Há muito pano pra manga...

Raquel Pilger
Atriz, especialista em Artes Cênicas e co-organizadora do Memória do Efêmero

Veja a programação completa do
Sessão da Classe | MEMÓRIA DO EFÊMERO
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Sessão da Classe apresenta Memória do Efêmero por Cibele Sastre

"Ele [Laban] defendia a idéia de que os fundamentos de uma cultura se jogam nas relações particulares entre uma determinada gestão do peso e os valores de expressividade, através dos fluxos e dos tratamentos do espaço e do tempo. A impossibilidade de nossa organização lingüística de abarcar o sentido profundo do movimento levou-o à aventura do seu sistema de notação, que não se apóia numa metáfora lingüística, e sim numa representação pictográfica que responde, analogicamente, aos estados do corpo ainda não projetados na esfera da interpretação lingüística. "
Hubert Godard, no artigo "Gesto e Percepção" do livro Lições de Dança 3 (UniverCidade do Rio de Janeiro)

Neste encontro pretendo abordar de forma sintética, a memória na dança para quem faz dança. Especificamente, a busca pelo registro de uma manifestação que se dá no corpo, mas que estabeleceu, por muito tempo, uma relação direta com a música. Lembra-se de uma dança quando se escuta sua música. Som e imagem, espaço e tempo são processados em esquemas corporais de memória cinestésica para o dançarino e eventualmente para o coreógrafo. No momento em que a dança rompe esta relação de dependência na modernidade, faz-se necessário pensar com mais precisão e detalhe em modos de registro e relato do movimento dançado. Criar um sistema de notação para o movimento, de descrição dos diferentes aspectos que compõem o movimento e sua singularidade e tornar esse uma referência universal foi uma das buscas de Rudolf Laban, bailarino, coreógrafo e arquiteto áustro-húngaro que apresentou seu sistema de notação de movimento ao mundo no início do século XX. A kinetografia Laban, mais tarde conhecida como Labanotação, foi uma das mais bem sucedidas propostas de notação de movimento naquele momento da história, tornando possível uma relação do dançarino com o movimento de maneira muito peculiar. Uma ‘alfabetização’ do movimento pode ser feita através da leitura dos símbolos que compõem uma representação dos conceitos de espaço e corpo, com suas dinâmicas temporais e fraseamentos. Isso teve um impacto significativo para a cena de então, desdobrando-se pela Europa e Estados Unidos e atualmente sendo revisitada nos ambientes acadêmicos de dança de todo o mundo. Assim como na música, uma partitura de símbolos passou a escrever os passos da dança aprimorando seus processos de aprendizado e difusão. Notações decorrentes como a Notação por Motivos foram sendo utilizados em salas de aula e em processos de criação. Um grande esquema de analogias se constrói sobre esta ideia inicial de registro de movimento. Os aspectos positivos e outros nem tanto da formulação de Laban, bem como as decorrências desta proposta para Labanalistas em movimento, atualizando e ampliando essa discussão serão pontos de partida para o debate, que tomam como base a pesquisa desenvolvida no mestrado em Artes Cênicas do PPGAC da UFRGS na linha de pesquisa de processos de criação cênica: Nada é sempre a mesma coisa: um motivo em desdobramento através da Labanálise.

Cibele Sastre
Bailarina, Coreógrafa, Professora, Mestre em Artes Cênicas PPGAC/UFRGS e Analista de movimento Laban (CMA)

“A política e a arte, tanto quanto os saberes, constróem “ficções”, isto é, rearranjos materiais dos signos e das imagens, das relações entre o que se vê e o que se diz, entre o que se faz e o que se pode fazer.”
Jacques Ranciére, no livro A partilha do Sensível

Para ver a dissertação completa veja AQUI.

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SESSÃO DA CLASSE apresenta MEMÓRIA DO EFÊMERO: a cena e o espaço

O papel do teatro na dinâmica da construção social do cinema como espetáculo entre 1896 e 1908.

A partir deste título, pretendo abordar no encontro História e Artes Cênicas: memória do efêmero dois aspectos de uma pesquisa mais extensa, que desenvolvi como tese de doutorado em História. O seu objetivo central foi compreender como se constituíram o espetáculo cinematográfico e o público de cinema em Porto Alegre. Estamos falando de um processo cuja primeira fase se desenvolveu entre 1896 e 1908. Pretensioso? Sim. Mas inacessível não. Outra potencialidade: era e é um projeto discutível, mas no melhor sentido da palavra. Pois é essa a contribuição que pretendo trazer ao debate: o relato de uma experiência de pesquisa histórica sobre um processo cultural verificado na virada do século XIX para o XX, num contexto em que não havia rádio ou televisão, sendo a imprensa diária o veículo hegemônico de comunicação, informação e formação da opinião pública. O cinema foi apresentado aos porto-alegrenses em 1896 como uma invenção técnica que permitia a projeção de um novo gênero de imagens, as “vistas animadas”. Ele era então uma atração sem futuro definido. E por isso mesmo foram múltiplas e simultâneas as possibilidades de sua exploração para fins de entretenimento, embora a sua oferta tenha sido marcada pela descontinuidade e pela fragmentação até 1908. Os interessados, que se multiplicaram e qualificaram a sua experiência como espectadores ao longo dos anos, na medida que estreitaram o seu contato com as projeções cinematográficas, podiam assisti-las nos teatros, nas salas especializadas ou mesmo ao ar livre. Os espetáculos podiam ser exclusivamente de projeções ou contar com outras atrações, de outros gêneros de diversões. Imperava a diversidade, a necessidade de constante atualização e reconfiguração dos programas, de modo a torná-los atrativos a um público em formação num contexto de grande concorrência. A heterogeneidade da exibição também facultou um acesso socialmente diversificado do público ao cinema e possibilitou uma grande variedade nas formas de sua apropriação pelos espectadores, conferindo uma dinâmica ímpar ao processo de afirmação do cinema como nova prática cultural. Ou seja, o cinema não surgiu como um gênero espetacular acabado. Ele tampouco foi uma prática inédita enquanto espetáculo de projeções, considerando-se que foi precedido de outra tradição espetacular, que proporcionou aos porto-alegrenses uma experiência de três décadas como espectadores de projeções públicas e pagas antes do seu surgimento. O cinema representou continuidade e ruptura em relação à tradição que o precedeu, aos modos de representação e percepção visual e às práticas espetaculares que lhe foram contemporâneos. Ao longo de sua primeira década de existência, ele deixou de ser apenas uma nova invenção técnica para se constituir e afirmar como novo gênero espetacular, autônomo de outras práticas culturais com as quais estabeleceu diferentes formas de associação, entre as quais o teatro. Assim, fica o convite para pensarmos e discutirmos juntos os limites e as potencialidades do fazer histórico quando o interesse da pesquisa são as práticas culturais cotidianas, estabelecidas e transformadas na efemeridade e dinâmica dos espetáculos públicos. A observação da qualidade das relações que o cinema entreteve com o teatro, enquanto espaço físico e práxis espetacular, aparece com um aspecto de um processo maior e mais complexo que diz respeito à afirmação das novas formas de expressão e apropriação visual do mundo num contexto da intensificação da circulação das imagens ao nível do cotidiano.

Alice Dubina Trusz

A pesquisa que deu origem a este texto foi publicada sob o título “Entre lanternas mágicas e cinematógrafos: as origens do espetáculo cinematográfico em Porto Alegre. 1861-1908”. O livro foi lançado em novembro de 2010 como resultado da premiação da tese de doutorado homônima, defendida junto ao PPGHistória da UFRGS e reconhecida pelo MINC/SAV por sua excelência como Pesquisa em Cinema e Audiovisual brasileiros.

Link para o livro: AQUI
Link para a tese: AQUI

Fotos:
1) O Theatro São Pedro , à esquerda, foi o espaço preferido para a realização dos espetáculos públicos de projeções de lanterna mágica entre 1861 e 1896 e, na década seguinte, de projeções cinematográficas. Fotografia, 1881, autor desconhecido, Acervo Fototeca Sioma Breitman/MJJF.

2) Na Exposição Estadual de 1901, promovida pelo Governo do Estado no local atualmente ocupado pelo Campus Central da UFRGS, houve quatro temporadas sucessivas de exibições cinematográficas ao ar livre. Na imagem, vê-se a cabine de projeção e a tela gigante trazida pelo argentino Henrique Sastre, aos fundos da atual Escola de Engenharia. Fotografia, 1901, autor desconhecido, Acervo Fototeca Sioma Breitman/MJJF.

Sessão da Classe apresenta MEMÓRIA DO EFÊMERO e os fios de memória dos artistas e do público

TECENDO OS REIS VAGABUNDOS
COM FIOS DE MEMÓRIAS
de Betha Medeiros

O importante para o autor que rememora, não é o que ele viveu, mas o tecido de sua rememoração, o trabalho de Penélope da reminiscência. Ou seria preferível falar do trabalho de Penélope do esquecimento? Walter Benjamin

Em sua pesquisa Betha Medeiros mergulhou no universo da montagem e das apresentações da peça Os Reis Vagabundos do grupo teatral Tear, de 1982, rememorado pelos participantes da criação bem como pelo seu público. Esta peça é considerada um marco do teatro gaúcho e onde sua encenadora, Maria Helena Lopes, lançou mão de seus principais conceitos de trabalho: jogo dramático, improvisação, técnicas de clown e análise de movimento.

Veja abaixo a edição do artigo da Revista Gambiarra
(a versão completa está acessível aqui)

Escolhi, dentre as várias peças que Maria Helena encenou junto com seu grupo Tear, centrar meu projeto em Os Reis Vagabundos de 1982, cujo tema é o dia-a-dia de um grupo de catadores de lixo e que é considerada, pela própria encenadora, como o trabalho de sua vida, o qual ela levou sete anos gestando até conseguir levá-lo a público.

O que esta peça tinha, afinal, de tão especial que se destacava de todas as outras também fundamentais para o teatro gaúcho? Será que era, mesmo, tão especial assim?
Com esta questão, parti em busca de documentos escritos, fotos, reportagens, memórias em forma de depoimentos e entrevistas para tentar montar um painel, uma “colcha de retalhos” que pudesse ajudar a esclarecer a mim e, posteriormente, aos leitores deste trabalho, o porquê, realmente, de Os Reis Vagabundos serem lembrados até hoje.

Para as entrevistas escolhi seis pessoas que assistiram e que se propuseram a conceder seus depoimentos sobre o que recordavam da peça. Por outro lado, contatei os atores, o cenógrafo, o escriba, os músicos criadores da trilha sonora e a encenadora para me relatarem as suas lembranças sobre a montagem e encenação.

Nesta busca pelas memórias alheias no intuito de preencher o vazio de detalhes das minhas próprias, a cada entrevista, a cada imagem, a cada documento coletado, era como se as peças de um grande quebra-cabeças fossem se encaixando e me permitindo constatar a grandeza não só do resultado – a peça em cartaz – mas do processo como um todo.

Durante a apresentação para a banca de qualificação do mestrado, surgiu a hipótese de que diante da forte emoção sentida na apresentação do clip com algumas fotos e a música, a peça na verdade, não acabara. Pois, depois de todo esse tempo de pesquisas e entrevistas pude constatar que ela está sim, bem viva na memória e na emoção de muitas pessoas, contrariando o conceito de efemeridade da atuação teatral, pois enquanto nossa atenção for despertada por um morador de rua e suas precárias e “criativas” moradias, enquanto nos preocuparmos com o lixo e o descarte, Os Reis Vagabundos estarão bem vivos em nossa memória e em nosso coração nos emocionando e não nos permitindo acomodações.

Link para a dissertação completa AQUI

Blog construído como auxílio ao processo: Teatro Líquido

Sessão da Classe apresenta MEMÓRIA DO EFÊMERO e o DOCUMENTO EM VÍDEO, por Newton Silva

Teatro em Porto Alegre nos Anos 1980:
Uma história narrada a partir de documentos em vídeo veiculados na TVE/RS
Blackout. As luzes se apagam lentamente. A cena, no palco, desaparece: último ato da peça que termina a temporada para sempre. Na plateia, espectadores gravam na retina o momento que nunca mais se repetirá. Lembrança, memória, registro do irrecuperável. Uma imagem que ficou, ou se foi, no turbilhão de fragmentos do cotidiano.

O Ferreiro e a morte, direção de Camilo de Lélis - foto Cláudio Saldanha















A apresentação teatral, por seu caráter efêmero, constrói uma relação especial com o tempo que é diferente de outras linguagens artísticas, como a literatura, cinema ou artes visuais. Nelas, a existência de um documento (livro, filme, pintura, escultura, etc.) garante ao receptor a possibilidade de ler-reler ou ver-rever o objeto estético. Ainda que o espectador retorne à mesma obra em vários momentos de sua vida e que, modificado como sujeito, tenha outras interpretações e sensações no momento da nova fruição, aquele objeto artístico permanece igual. O que muda são as circunstâncias do ato receptivo. A obra foi realizada no passado pelo artista mas é recebida no presente pelo espectador, fato que configura uma tensão entre o “passado da obra” e o “presente da recepção”.

Nas artes cênicas ou em ações artísticas performáticas, a relação entre obra e espectador acontece de outra maneira. Durante a realização do espetáculo (no momento do acontecimento real – a encenação) reina o tempo presente, o aqui agora. É uma sucessão de imagens, sons e textos enunciados, sem possibilidade de retorno. O tempo da representação teatral e da recepção ocorre, obrigatoriamente, de forma sincrônica por meio de ações feitas e recebidas no presente. O mesmo espectador, caso volte ao teatro em outro dia, para ver a mesma obra, não assistirá ao mesmo espetáculo. Os signos cênicos poderão se repetir em cena mas com variações de intensidade na execução no trabalho do ator, no uso do espaço cênico ou na iluminação. A principal diferença em relação às demais linguagens artísticas está no fato de que a obra nunca será a mesma. Aqui, o processo comunicativo apresenta o embate simultâneo entre o “presente da obra” e o “presente da recepção”. Ao final de cada espetáculo, a obra desaparece para sempre. Restam apenas rastros de seu acontecimento na memória dos espectadores.

Diante destas características do fato teatral, como guardar para a posteridade a cena que não voltará mais? Como concretizar uma cultura imaterial, como as artes cênicas, em documentos e imagens para a história? De que maneira a gravação do espetáculo em vídeo, um dos recursos tecnológicos da contemporaneidade, contribui neste registro da memória?

programa da peça A mãe da miss e o pai do punk
direção de Luiz Arthur Nunes

São perguntas que surgiram a partir da pesquisa de mestrado Palcos da Vida: o vídeo como documento do teatro, desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (PPGAC/UFRGS) e defendida em 14 de julho de 2010. O trabalho investiga os processos de produção e de experimentação teatral, em Porto Alegre, nos anos 1980, a partir de registros em vídeo feitos pela TVE/RS. Nos últimos três anos daquela década, a emissora pública de televisão gravou diversos espetáculos teatrais que estavam em cartaz na cidade. Os programas, com o título Palcos da Vida, apresentavam cenas das peças e depoimentos de atores e diretores. A pesquisa lança um olhar sobre aquele momento histórico e, por meio das gravações, ressalta a importância do vídeo como documento do teatro.

Que testemunhos o texto televisivo (entendido como a fusão de imagem, som, linguagem verbal e práticas de montagem) pode fornecer sobre a encenação teatral (o texto espetacular), como evidência dos acontecimentos cênicos? Que aspectos estão envolvidos no encontro entre teatro e televisão? Seria possível reconstituir um painel das artes cênicas, ainda que fragmentado, tendo como base os vídeos realizados e exibidos no Canal 7? E quais são as contribuições e os limites destes documentários como registro do fazer teatral?

Frame da gravação de OSTAL para o programa Palcos da Vida
Montagem do Ói Nóis Aqui Traveiz













A pesquisa enfoca os espetáculos A Mãe da Miss e o Pai do Punk (direção de Luiz Arthur Nunes), A Verdadeira História de Édipo Rei (Grupo Gregos & Troianos), Escondida na Calcinha (direção de Patsy Cecato), Império da Cobiça (Grupo TEAR), O Ferreiro e a Morte (Grupo Teatral Face & Carretos), Ostal (Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz) e Tangos e Tragédias (de Hique Gomez e Nico Nicolaiewsky). O conjunto traça um painel das artes cênicas do Rio Grande do Sul, constituindo-se em um importante acervo sobre a produção e a encenação teatrais.

Se você quiser acessar a dissertação do Newton Silva, é só clicar AQUI.

E para a programação completa do
Sessão da Classe | MEMÓRIA DO EFÊMERO
É só clicar AQUI para acessar a postagem com toda a programação do dia 16 de junho.

SESSÃO DA CLASSE apresenta MEMÓRIA DO EFÊMERO: A cena na história

16 de junho, às 19h30 Sala Álvaro Moreyra

Como o espetáculo permanece na história? Cinco pesquisadores das Artes Cênicas e da História mostram diferentes formas de reconstituir a memória do efêmero de um espetáculo. Os vestígios na memória dos artistas e dos espectadores, nos registros em vídeo ou ainda relacionados ao espaço no qual ele ocorre.





Palestrantes:
Alice Dubina Trusz
Doutora em História pela PPGH/UFRGS
O papel do teatro na dinâmica da construção social do cinema como espetáculo entre 1896 e 1908

Betha Medeiros
Atriz, Professora e Mestre em Artes Cênicas PPGAC/UFRGS
Tecendo Os reis vagabundos com fios de memória

Cibele Sastre
Bailarina, Coreógrafa, Professora, Mestre em Artes Cênicas PPGAC/UFRGS e Analista de movimento Laban (CMA)
Nada é sempre a mesma coisa

Maria Luiza Martini
Professora Dra do Programa de Pós-Graduação em História/UFRGS
Lugares do ator no espetáculo: memória do efêmero

Newton Pinto da Silva
Jornalista e Mestre em Artes Cênicas PPGAC/UFRGS
Teatro em Porto Alegre nos Anos 1980: uma história narrada a partir de documentos em vídeo veiculados na TVE/RS

Coordenação da mesa: Dra. Nádia Maria Weber Santos
Coordenadora do GT de História Cultural do ANPUHRS, Dra. em História UFRGS e Professora no Mestrado em Memória Social e Bens Culturais UNILASALLE

Realização: SMC/Prefeitura de Porto Alegre e GT de História Cultural – ANPUH/RS

Texto final do SESSÃO DA CLASSE: "O truque da moeda", por Renato Mendonça

Será que a Sessão da Classe vai ser um sucesso? Posso dar várias respostas.

Começando pela otimista “Já é!”. Afinal, é só juntar os textos que os nossos 10 convidados escreveram para o blog MaisTeatro e comprovar que a discussão já rendeu, que as perguntas certas estão sendo feitas, que as respostas fatalmente deverão surgir.

Tem a resposta meia-boca tipo “Tamos na luta”. Ou seja: vamos torcer para a classe comparecer ao Teatro Renascença na segunda e terça à noite, vamos rezar para que o pessoal pare de escrever sobre animais de estimação no facebook e preste atenção no seu futuro (sei que vou arranjar encrenca com essa frase, mas não se pode fazer sucesso o tempo inteiro...).

E tem a resposta que confessa o fracasso: "Mas onde é que está todo o mundo? O show da Shakira é só amanhã!". Pode ser que não apareça ninguém (Gente! Na terça vai ter espumante depois do debate!), pode ser que impere um silêncio absurdo e ensurdecedor no Renascença, pode ser que nem o rato de coquetel dê as caras para fazer uma boquinha. Mas, olha, um fracasso até que não é tão ruim assim. Como o Daniel Colin e o Roberto Oliveira sugeriram em seus posts, sucesso e fracasso são vizinhos na mesma moeda. Sucesso e fracasso estampando, cada uma, uma face.

A torcida é por uma Sessão de exceção, com discussões cruzando palco, plateia e internet, com todo mundo falando o que deve – e só o que deve, senão a Sessão vai virar Coruja. E se nada der certo, talvez haja um gaiato para proclamar: “Fracassar. Fracassar de novo. Fracassar melhor”.antes de dar um gole no espumante que vai sobrar...

Eu sigo otimista. Acho que essa iniciativa da Coordenação de Artes Cênicas é mais que oportuna. Em 15 anos de jornalismo cultural, só vi a classe artística de teatro e de dança reunida para a cerimônia do Açorianos. O resultado, a gente já conhece: alguns felizes, outros frustrados, muitos gritos de uhu e de vez em quando um Castanha para exibir sua genialidade.

Na Sessão da Classe vai ser diferente. Vamos endurecer o discurso, sem perder a ternura e o bom humor, e descobrir como se faz para fazer a moeda do Fracasso e do Sucesso ficar de pé.

Renato Mendonça

jornalista e curador desta edição do Sessão da Classe

SESSÃO DA CLASSE apresenta "O artista, o sucesso e o coletivo" por Zé Victor Castiel

Em nossa profissão não existe nunca a certeza do sucesso. Ao contrário. O motivo, embora pareça óbvio, é bem complexo. Só têm certeza do sucesso profissionais que se preparam para isso. Um cirurgião, por exemplo, que cumpriu todas as etapas da vida acadêmica e profissional, em condições normais fatalmente obterá sucesso. Um artista que se preparou de todas as boas maneiras, sejam formais ou informais já não terá esta certeza. Isso porque o sucesso de um artista não depende só de si - depende principalmente do seu público. É o público que irá determinar se aquele artista (preparado ao extremo) será merecedor de viver com dignidade com o fruto de seu trabalho.
Ora, então o problema não é do artista e, sim, do público, dirão alguns de forma simplificadora. Sim e não.
Sim porque para o público ampliar seu leque de gostos é preciso que seja aculturado. E Não porque, para acostumar o público a gostar, é preciso, como já dito, honestidade de propósitos, abnegação, paciência e sobretudo a preparação para o fracasso (no sentido de não desistir diante do surgimento dos insucessos).
Eu particularmente sou convicto de que em nossa profissão a busca pelo sucesso é muito menos penosa se for implementada de forma coletiva.
Como assim? Eu vou ser obrigado a desejar o sucesso alheio?
Eu não diria obrigado. Mas seria um ato de extrema inteligência.
Quando um consumidor comum quer comprar um eletrodoméstico, ele escolhe sua compra pelo preço ou por alguma publicidade que o instou à compra. Vai até a loja, adquire o bem e, provavelmente, ficará anos sem comprar um similar.
Na nossa profissão é diferente. Se alguém vai ao teatro e gosta do que viu, repete várias e várias vezes essa “compra”, enquanto houver oferta honesta e em curtos espaços de tempo.
Graças a Deus não somos eletrodomésticos, embora, para obtenção do sucesso, devamos ser consumidos. De forma lúdica, mas consumidos.
Portanto, amigos, talvez esteja na hora de uma reflexão enorme sobre a mudança de nossa postura egóica.
Ou desejamos o sucesso alheio, ou abraçamos de vez a eterna adolescência.
Há muito que conversar.
A oportunidade é de ouro.
Conversemos, pois.




Zé Victor Castiel é ator de cinema, televisão e teatro, e produtor.

SESSÃO DA CLASSE apresenta: "Um brinde ao fracasso", por Roberto Oliveira

Falar sobre o sucesso esta muito mais para o Roberto Shinyashiki do que para mim. Lair Ribeiro que me desculpe, mas sou muito mais chegado num fracassinho. Tenho uma coleção de pequenos e grandes fracassos na minha vida. Questão de personalidade, gosto ou apego. Aquela "sensação de fracasso" tem seu valor. Oscilo muito, me chicoteio, me elogio. Claro que quero a presença numerosa do público, mas não quero dar a eles o que eles querem. O Shinyashiki diz que para atingir o sucesso tem que "sacrificar feriados e domingos pelo menos uma centena de vezes". Legal. Devo estar perto do sucesso, porque já acabei com milhares de feriados, detonei milhares de finais de semana ensaiando. Esse papo de sucesso está mais para equipe de vendas, para psicologia motivacional. Prefiro morrer agarrado aos meus lindos fracassos a frequentar os corredores de auto-ajuda das livrarias. Talvez até me fizesse bem, mas não estou preparado pra isso.
Aí eu pensei: o que é sucesso de público em Porto Alegre? Quando muitas e muitas e muitas pessoas vão na tua peça, quantas pessoas são? Aí você sai na capa dos jornais? Não sai. Fica conhecido da noite para o dia? Não, você continua um anônimo. Você ganha uma fortuna? Não, claro que não. Então, que sucesso é esse? Sucesso entre os seus pares. Conhecidíssimo na Casa de Teatro.

Outro pensamento: Sucesso está associado com muita grana. Os caras do Facebook, o dono da Microsoft. Sucesso está associado com muita fama. A Natalie Portman depois do Oscar. Sucesso é estar no topo. Mas, que grana, que fama, que topo aqui em Porto Alegre? O morro da Embratel? Porto Alegre tem, aproximadamente, um milhão e meio de habitantes. Destes quantos frequentam espetáculos de teatro e dança? Cinco por cento? Dois e meio por cento? Em São Paulo, que tem 12 milhões de habitantes, acredita-se que 200 mil vão ao teatro. Quando falamos em sucesso de público em Porto Alegre estamos falando de quanto público? Algo entre 20 e 25.000 que hipoteticamente vão ao teatro.
Também acho que esta nossa discussão está muito confusa. Mistura-se sucesso com êxito, com liberdade, com topo, com fama. O Hamilton inventou até o sucesso geográfico. Haveria o sucesso de público e o sucesso estético. Mas também no caso deste último, se é que isso existe, Porto Alegre nos limita. Que sucesso estético podemos criar com os orçamentos minguados que operamos aqui na cidade? Trabalhamos na precariedade e almejamos o sucesso. É um contra-senso.
Não sei o que é sucesso. Mas, se quiserem conversar sobre alguns bons fracassos é só me procurar. Vamos ter assunto por bastante tempo. Vai ser um sucesso.



Roberto Oliveira, ator e diretor.

Sessão da classe apresenta: A FALTA, O ENIGMA E A COISA, por Alexandre Vargas

O Sucesso transcende as limitações de lugar e tempo? O rosto do público é completamente legível, visto que a arte de mascarar sentimentos tem se aprimorado a um grau considerável? A vulnerabilidade do pensamento intelectual vigente à sedução pelas doutrinas sociopolíticas, sendo ela tanto de direita quanto de esquerda, e sua presteza em aceitar o totalitário pela proteção de um futuro hipotético é garantia de sucesso? Cabe lembrar que nas democracias populares a doutrinação é reforçada por todo o poder do Estado, e os homens se agarram a ilusões quando não há mais nada a se segurar. Tal debate perdura em minha mente, encontro-me induzido a um ponto em que uma escolha deve ser feita, diz respeito às crenças que estão situadas na base da existência humana. O sucesso pode ser meu se eu pagar o preço: a obediência? Chego ao meu limite, contudo, tenho a impressão de estar participando de uma demonstração de hipnose em massa.

Como observador, é fácil pensar sobre tal decisão de renegar qualquer cumplicidade à tirania. No entanto, minha decisão não procede da mente funcional e racional, mas da revolta em meu estômago. A história se passa no Brasil, mais precisamente em Porto Alegre, por volta do futuro próximo ou até mesmo no presente, ou seja, o ano de 2011. Como o pensamento de um filósofo privado, sem o respaldo de citações das autoridades é pura insensatez, inicio “À falta, o enigma e a coisa: O SUCESSO” com uma epigrafe de Walter Benjamin e a desconcertante obra da multi-artista australiana Patricia Piccinini. Não sei se a tentativa de gerar discussão vai obter sucesso! (Leia o texto na integra aqui)

Alexandre Vargas - Ator, diretor e produtor Cultural. Fundador do Grupo Falos & Stercus, Coordena o C.P.T.A. - Centro de Pesquisa Teatral do Ator e o Festival de Teatro de Rua de Porto Alegre. Escreve o "Caderno de Teatro" para a revista ArteSESC.

Sessão da Classe apresenta: POR FAVOR, SUCESSO!!! por Camilo de Lélis

A palavra sucesso vem do latim (successu): aquilo que sucede, acontecimento, parto, caso, fato, êxito, resultado. Insucesso ou fracasso - seu antônimo - é o que não sucede, não acontece - um aborto -, algo que nem chega a acontecer; portanto, só seria insucesso, uma peça que é ensaiada, mas não vem a estrear.
Sucesso não é necessariamente um bom acontecimento: pode haver bom sucesso e mau sucesso. Dependendo do ponto de vista, um bom sucesso para uns seria um mau sucesso para outros, por ex: o "Big Brother", que para a maioria dos telespectadores é um acontecimento bom, para uma minoria, é um mau acontecimento, que traz emburrecimento à população.
Assim, a palavra sucesso, que é um substantivo, aceitaria vários adjetivos sobre si: belo, feio, bom, mau, curto, rápido, longo etc. Entretanto, tornou-se, pelo uso e até pelo dicionário, sinônimo de resultado "feliz", assim como "êxito" ou "fortuna", que as pessoas esquecem que podem ser algo mau e só os entendem pelo lado positivo. Por ser viva, a língua vai mudando, mas saber a origem das palavras ajuda bastante a compreender as coisas.
Resumindo, todo o artista que dá a luz a um trabalho, atinge um sucesso (acontecimento), porém este poderá ter bom ou mau reconhecimento. Por isso, qualificar de bom ou mau o sucesso de um espetáculo é, no mínimo, muito relativo. Podemos considerar, pela quantidade de público, um sucesso bom? Ou, seria pela qualidade do espetáculo? Aqui a coisa se estreita em referenciais bem diversos. Ora, dois sucessos bem diferentes podem, algumas vezes, vir a se somar numa única peça e ela terá sucesso de público e sucesso de crítica. E sucesso, assim, é o sonho de todo artista.
Vejamos: bom sucesso de público (ou, apenas sucesso, para simplificar) é fácil determinar. É só contar o resultado no borderô. Sucesso de crítica é o que vai qualificar a peça de boa ou ruim, independentemente de que ela leve milhares de pessoas ao teatro, ou que a casa esteja vazia. Sucesso de público é algo palpável, visível, são as filas diante do teatro. Já o sucesso de crítica depende de algo bem subjetivo. Vale a tendência, a política, a intriga, ou o prestígio que alguém adquire para ditar a qualidade e o bom gosto em termos de arte.
A única maneira de nos livrarmos dos vampiros da crítica é, depois de mordidos por eles, tornarmo-nos críticos também; críticos a disseminar, por aí, outros conceitos do que pode ser bom ou mau. É o que está acontecendo em Porto Alegre. Vários artistas começam a escrever e a opinar sobre teatro, para que o pensamento crítico não fique, unicamente, à mercê de alguns. A saída é a diluição do malefício. Se alguém diz "A", por isso ou aquilo, também posso dizer "não A", por isso e também por aquilo. Já que a época é de sofismas, o melhor é conhecer as armas da oratória. Simplesmente, porque tudo depende. Sim, desde Einstein, o universo prende-se somente à relatividade, então se vc diz “gosto”, posso dizer “não gosto”, apenas isso, mais nada.
Quanto ao sucesso: todas as minhas peças foram sucesso, pois as fiz, dei-lhes a luz, pari-as em parceria com outros artistas das artes cênicas, que comigo "copularam mentalmente" para suas concepções. Algumas levaram muito povo ao teatro. Em outras, nenhuma gente havia na plateia. Fiz teatro, isso basta. Nisso sou bem sucedido.
É preciso ir adiante nesse raciocínio e chegar a outro substantivo que é "reconhecimento". Porque queremos sucesso? Porque clamamos aos deuses: "Por Favor Sucesso!" ? Vamos entrar na sociologia e na psicanálise. Pois é...depois eu sigo adiante. Ou, melhor, o leitor, se quiser, poderá seguir a partir daqui.

Camilo de Lélis, Diretor de Teatro.

Sessão da Classe apresenta: discutindo sobre o sucesso pela via negativa, por Daniel Colin

Quando fui convidado para esta Sessão da Classe, cujo tema será o 'sucesso', a primeira imagem que me veio a cabeça foi a do Quiz Kid Donnie Smith, personagem do filme Magnólia, de P. T. Anderson. Tal personagem, interpretado sensivelmente por William H. Macy, a bem da verdade, representa o FRACASSO: alguém que foi muito famoso quando criança e que carrega o peso de nunca mais conseguir ser tão bem sucedido quanto outrora. O fato dele carregar o apelido daquela época - Quiz Kid - já é um exemplo notório desse peso.

Por que não discutir sobre o sucesso refletindo acerca do FRACASSO?

Decidi então postar dois diálogos do filme, como atiçadores de questionamentos sobre o sucesso vs. o fracasso.

Os diálogos estão em inglês porque foi assim que os encontrei na internet e não me achei apto o suficiente para traduzi-los. Além do mais, para aqueles que não entenderem, fica a provocação de assistir ao filme, que é imperdível.

"Quiz Kid Donnie Smith: Do you know who I am?
Thurston Howell: You're a friend of the family, I presume.
Quiz Kid Donnie Smith: What does that mean?
Thurston Howell: Nothing special. Just a spoke in the wheel.
Quiz Kid Donnie Smith: You talk in rhymes and riddles and r-Rub-a-Dub. But that doesn't mean anything to me. See, I used to be smart. I'm Quiz Kid Donnie Smith. [loudly]
Quiz Kid Donnie Smith: I'm Quiz Kid Donnie Smith, from TV.
Thurston Howell: It might have been before my time.
Smiling Peanut Patron #1: I remember. In the Sixties, right?
Quiz Kid Donnie Smith: I'm Quiz Kid Donnie Smith.
Thurston Howell: Like you said.
Smiling Peanut Patron #1: Smart kid! You got struck by lightning once.
Quiz Kid Donnie Smith: So what?
Smiling Peanut Patron #1: I heard about that.
Smiling Peanut Patron #2: Did it hurt?
Thurston Howell: But you're all right now. So what's the what?
Quiz Kid Donnie Smith: What?
Thurston Howell: That's right."

"Quiz Kid Donnie Smith: I used to be smart, but now I'm just stupid.
Thurston Howell: Brad, dear, who was it that said..."A man of genius has seldom been ruined but by himself"?
Quiz Kid Donnie Smith: [quietly; to himself] ... Samuel Johnson...
Thurston Howell: It was the lovely Samuel Johnson! Who also spoke of a fellow "who was not only dull... but a cause of dullness in others."
Quiz Kid Donnie Smith: "The cause of dullness in others."
Thurston Howell: Picky picky!
Quiz Kid Donnie Smith: Let me tell you this; Samuel Johnson never had his life shit on... and taken from him, and his money stolen! Who took his life and his money? His parents? His mommy, and daddy? Make him live this life like this... A man of genius who gets shit on as a child!... and that scars! That hurts! Have you ever been hit by lightning? It hurts. It doesn't happen to everyone. It's an electrical charge. It finds its way across the universe... and it lands in your body, and your head! And as for ruined, but by himself... not if his parents took his freaking life... and his money, and tell you to do this... and to do that, and if you don't...
Smiling Peanut Patron #1: Your parents took your money you won on that game show?
Quiz Kid Donnie Smith: Yes! They did.
[to Thurston]
Quiz Kid Donnie Smith: What does that mean, a spoke in the wheel?
Thurston Howell: Things go round and round, don't they?
Quiz Kid Donnie Smith: Yes, they do... They do. But I'll make my dreams come true.
Thurston Howell: Sounds sad as a weeping willow.
Quiz Kid Donnie Smith: I used to be smart. But now I'm just stupid.
Thurston Howell: [raising his glass] Shall we drink to that?"

DANIEL COLIN - Ator, diretor, dramaturgo e performer. Integrante e fundador do grupo Teatro Sarcáustico. Ganhador de diversos prêmios, dentre os quais os Troféus Açorianos de Melhor Espetáculo 2010 e Direção por Wonderland e o que M. Jackson encontrou por lá

Sessão da Classe apresenta: Uma boa história de Sucesso, por Eva Schul

Creio que uma boa história de sucesso é a do meu grande amigo Luiz Melo. Depois de anos atuando como principal ator do Antunes em São Paulo, e de receber todos os prêmios possíveis nacionais e internacionais, recebeu um convite para atuar nas novelas da Globo. Antes reconhecido apenas em São Paulo, passou a ser conhecido em todo o país. Brigou com o Antunes que não aceitou a mudança, ganhou dinheiro e rapidamente foi virando escravo. Percebeu que, para escapar dos grilhões e poder continuar artista, teria que deixar de morar no Rio, afastar-se e escolher onde aparecer. A partir deste momento, usou o que ganhou e criou primeiro uma escola de atores e em seguida um centro cultural com salas de ensaio, oficinas e exposições. Hoje, bem mais feliz, atua em espetáculos teatrais, cinema, especiais de tv e organiza exposições.
Consegiu manter-se fiel a sua arte, usufruiu do sucesso e desenvolve seus projetos culturais.

Eva Schul - Precursora da dança contemporânea gaúcha, diretora e coreógrafa da Anima Cia de Dança, professora e pesquisadora.

Sessão da classe apresenta: Patricia Fagundes

Para se ter e ser sucesso, sorria sempre! Quando você sorri, mesmo que não esteja sentindo nada, o seu cérebro recebe uma mensagem de que está tudo bem!

Em um estudo realizado em um hospital psiquiátrico, 02 grupos de pacientes maníaco depressivos com tendências suicidas foram submetidos a diferentes terapias. Em um deles foi colocado um esparadrapo nos cantos da boca, o que fazia parecer que estavam sorrindo.
Este grupo apresentou uma melhora mais rápida porque, ao “sorrirem” mandavam ao cérebro uma mensagem de fe-li-ci-da-de!

O que é isso de sucesso? A pressão de ser e ter sucesso pode fazer muito mal à sua saúde... Se sucesso é chegar "lá", lá é onde? Como o espaço é infinito, não existe final ou topo. A gente caminha mas não chega a lugar nenhum, o importante é caminhar. Se sucesso é "dar certo", então é algo bem relativo, depende do que cada um acha certo. Escolha: o sucesso da Marina Abramovic ou da Lady Gaga? Ganhar o concurso de melhor bunda do país ou prêmio de literatura? Hilda Hilst ou Jorge Amado? Festival Internacional de Montemor ou Broadway? Teatro comunitário ou novela na Globo? Experiência de risco ou um milhão de espectadores pagantes? Pequenos ou grandes teatros? Morar em Porto Alegre ou São Paulo? Dar aula ou fazer comercial? Eu tenho minhas preferências, como cada um terá as suas. Nem sempre elas são excludentes, nem sempre tenho a mesma opinião ou as mesmas vontades, quase sempre nada é preto ou branco, me confundo quase sempre. Cada escolha implica diferentes perspectivas de "êxito", tem suas próprias demandas, supõe distintas estratégias. O que é óbvio, claro. Mas não é difícil esquecer tua própria bússola e ficar seguindo parâmetros e mapas de uma sociedade que constantemente vende desejos, ideais, sonhos, fórmulas de sucesso e felicidade que tentam ajustar as pessoas às necessidades do mercado. E enquanto escrevo isso penso nessa música que eu adoro do Nei Lisboa, "eu quero quero quero quero tudo pra mim... quero o mel/u ...eu confesso eu quero é sucesso! eu me entorto depois passo mal, eu me atrolho depois pago o preço eu mereço! "... ;-)

Patricia Fagundes - Diretora da Cia Rústica de Teatro e professora de direção teatral no Departamento de Arte Dramática da UFRGS.

Sessão da Classe apresenta: Airton de Oliveira

“O sucesso se mede por critérios estéticos ou de bilheteria? Acho que essa é uma falsa questão. No meu caso, busco uma terceira via, um equilíbrio. Como Emagrecer Fazendo Sexo é uma comédia despretensiosa, mas que agrada ao grande público e está há seis anos em cartaz. Já O Menino que Aprendeu Cedo Demais é uma peça esteticamente superior, que foi premiada com o Tibicuera mas não tem tanto apelo para o público. Tu podes alternar peças que miram o público e que buscam a realização artística. Entre a estética e a bilheteria, fico com as duas.”

Airton de Oliveira - Ator, diretor, cenógrafo e produtor teatral. Vencedor do Prêmio Tibicuera de Melhor Espetáculo Infantil 2010 por O MENINO QUE APRENDEU CEDO DEMAIS.

Sessão da Classe apresenta: Uma leve reflexão sobre sucesso, ofício, retorno público e social, por Hamilton Leite

"O que é sucesso?

No caso de quem é profissional de teatro em Porto Alegre, fazer o que se gosta, tendo a rua por palco, podendo viver do próprio ofício e afirmar que esse é seu trabalho, e ainda levando a tua arte a mais de 20 estados do Brasil e a alguns países da América Latina, pode ser considerado um grande sucesso.

Mas creio que não: é um ofício como qualquer outro.

Quanto à questão de sair do Rio Grande do Sul para fazer sucesso, acho fundamental. Resumir o teu teatro a Porto Alegre e a um estado apenas provoca depressão.

Tu podes falar da tua terra, das lendas, dos contos, mas o regional é universal... é óbvio.
Ironicamente, na primeira vez que a Oigalê está sendo patrocinada, optamos por ficar no Rio Grande do Sul e não sair pelo Brasil. Não decidimos isso para fazer sucesso, mas, sim, para pesquisar e ter um pouco de tranquilidade no processo de montagem de um novo espetáculo. E, mais: para mostrar que com verba suficiente conseguimos levar nossa arte para municípios com 3 mil habitantes, que constituem quase a metade dos municípios gaúchos.

Creio que o teatro do Rio Grande do Sul teria mais sucesso em seu ofício direto com o público se contássemos com mais empresas gaúchas patrocinando o que é feito aqui, e se os nossos governos municipais e estadual investissem mais recursos para que principalmente a população de menor renda possa ter teatro na escola, na indústria, na sala de espetáculo, na rua e em muitos outros locais. Aí poderíamos dizer que isso é um sucesso."

Hamilton Leite - Ator, produtor, diretor e oficineiro teatral. Um dos fundadores da Oigalê Cooperativa de Artistas Teatrais.

Sessão da Classe apresenta: ÁGUIA DO MAU GOSTO por Marcelo Adams

"Ao falarmos de sucesso em teatro, imediatamente nos ocorre a ideia de salas cheias, de preferência com gente implorando na bilheteria para entrar, ao que o bilheteiro responde, irredutível, que os ingressos já estão esgotados, mas que podem ser adquiridas entradas para a próxima semana.

Quando pensamos em sucesso, dificilmente desatrelamos esse conceito do desejo de grande afluência de espectadores, e com toda a razão. Afinal, o sentido último das artes cênicas é ser visto por pessoas; nosso trabalho, como artistas do palco, é feito para o deleite de outros (ainda que o prazer de quem atua seja, muitas vezes, superior ao de quem está sentado na plateia). A ideia de Grotowski de que teatro se faz com um ator e um espectador é bonita, mas muito mais simbólica do que prática: teatro funciona melhor quando há uma massa a nos assistir.

Como resposta à dificuldade cada vez maior de colocarmos pessoas nos teatros, nos agarramos a outra possibilidade de significação da palavra sucesso: agora, temos o sucesso artístico, que finge prescindir de um grande número de espectadores, com a desculpa de que teatro é elitista, e de que não ser contemplado com plateias cheias é sinal de um trabalho sério, que “não se vendeu ao mercado”. “A peça não teve público, mas foi um êxito, os críticos adoraram”. Como se tivéssemos críticos, como se o que eles escrevem tivesse alguma relevância como discussão, como se quem publica meia dúzia de frases em blogs sobre um espetáculo pudesse ser qualificado como especialista em teatro.

Na realidade, a ideia de um teatro popular é tão rara, que não deveria ser colocada como objetivo principal. O teatro é, sim, elitista. Aos que lembrarem do teatro grego clássico, não esqueçam que a ida aos anfiteatros era obrigatória para os cidadãos, pois as apresentações de tragédias e comédias áticas eram muito mais um evento religioso, cívico e didático do que artístico. As moralidades e mistérios medievais eram apresentadas em praças e feiras, portanto sem cobrar ingresso (e como prega a velha blague, “de graça até injeção na testa”). Uma possibilidade de teatro popular pode ser atribuída ao teatro elizabetano dos séculos XVI e XVII, onde nobres e plebeus dividiam o mesmo espaço para prestigiar os espetáculos, dividindo sua atenção, em dias alternados, entre tragédias shakespereanas e farras com direito a assassinatos de ursos, uma delicada herança das arenas romanas.

O que nos resta, no século XXI, ainda com a utopia do sucesso a nos morder os calcanhares, é entendermos que ele não é domesticado e tem movimentos inesperados. Nem mesmo as peças com temáticas que envolvam sexo e relacionamentos afetivos homem-mulher, que pareciam imbatíveis, resultam sempre em sucesso de bilheteria. Somos Sísifos, empurrando morro acima a pedra das dificuldades de manutenção de nossa arte, e quando imaginamos estar ela bem assentada lá no alto, lá vem ela rolando até a base, e nos obrigando a reavaliar, repensar, reestruturar, remendar, regurgitar nossas ideias. Também somos Prometeus, amarrados ao penhasco e recebendo diariamente as bicadas da águia do mau gosto do público, que prefere televisão e futebol e que não entende qual é a graça de ficar assistindo, por uma hora, algumas pessoas falando e se movimentando sobre um piso de madeira."

Marcelo Adams - Ator, diretor teatral, dramaturgo, e professor na área de artes cênicas. Fundador da Cia. de Teatro ao Quadrado, de Porto Alegre.

Sessão da Classe vai dar o que falar...A Forra do Teatro por Renato Mendonça

Dias 14 e 15 de março, 20h, artistas no palco e na plateia do Teatro Renascença. Não haverá roteiro nem gênero definidos, mas é certo que haverá drama, comédia e algum pastelão. São dias de Sessão da Classe, quando a dança e o teatro gaúchos vão parar para discutir suas principais questões.

Enredo é o que não falta. O sucesso se mede pelos números da bilheteria ou pelos avanços estéticos? Devemos nos conformar em sermos bancados pelo Poder Público e reunirmos na plateia apenas amigos e agregados? Estamos preparados para atrair os novos espectadores que surgirão nas asas do Vale-Cultura? Só se consegue público fazendo comédia?

Vou estar no palco como mediador e espectador privilegiado. Em 15 anos de jornalismo cultural, é algo que muito raramente presenciei: artistas despidos de personagens, tomando o rumo da história nas próprias mãos. Vamos ter final feliz? Na segunda noite é certo, porque o Breno promete espumante na confraternização do final da Sessão da Classe.

Espero que os dois debates sejam um ensaio geral para uma mobilização espetacular. Se no próximo dia 27 de março já está confirmada a Farra do Teatro, que nos dias 14 e 15 se faça a Forra do Teatro, lavação de figurino sujo, pino de luz nos problemas, tirar a maquiagem e dar a cara limpa a bater, começar logo a função que a TV a cabo, o passeio no shopping e o cinema com ar condicionado perfeito estão a devorar o público.

E não tem desculpa para não meter um caco nessa discussão. De dois em dois dias, até a Sessão da Classe, o blog Mais Teatro vai publicar provocações dos convidados, e cada um e todos os internautas podem e devem comentar os posts, garantindo o aquecimento do debate.

Faltou dizer quem serão os debatedores – e vamos concordar que, com um elenco desses, o sucesso é garantido. Palmas (e perguntas, e críticas, e contra-argumentos) para:

No dia 14, Airton de Oliveira, Daniel Colin, Eva Schul, Patricia Fagundes e Zé Victor Castiel

No dia 15, Alexandre Vargas, Camilo de Lélis, Hamilton Leite, Marcelo Adams e Roberto Oliveira